Franz26 a dit (26 Novembre 2020 à 08:01)
Yes Fufu : toutes les cinématiques ont été retravaillées dans un style animé somptueux (et certaines sont même carrément inédites), un nouveau perso bonus à récupérer : le grand Balthier (FF12, je l'ai recruté hier soir justement), et des fonctionnalités locales ou en lignes (anecdotiques). Voilà pour les grandes lignes. Je suis en train de finir tranquillement ma partie : le plaisir de jeu est intact même 20 ans plus tard. Je posterais évidemment une critique exhaustive sous peu, as usual. ^^
Franz26 a dit (23 Novembre 2020 à 08:25)
Aboutissement d’un rapport incestueux mais plein d’amour entre Ninja Gaïden et Dark Souls, frère spirituel d'Onimusha, Nioh puise ses influences auprès des meilleurs et, malgré un développement houleux, pointe le bout de son sabre sur Playstation 4 en 2017. De quoi combler les adorateurs des Souls, tout en offrant une porte d’entrée aux réfractaires via un gameplay beaucoup plus nerveux et dynamique.
Nioh se positionne dans un contexte semi historique où s’entremêle personnages authentiques et conflits de pouvoirs sur l’archipel Nippon, à la fin de l’époque Sengoku. Ici, point de flou narratif et de lore à décortiquer : l’histoire avance tranquillement via quelques cinématiques entre chaque mission, les objectifs sont clairs et l’ensemble ne réserve guère de surprise. Tout commence par l’évasion spectaculaire de William Adams, considéré comme le premier Samurai d’origine occidentale (Wiki le dit), fuyant une geôle Londonienne après s’être fait subtiliser son familier fétiche et esprit protecteur à temps perdu. En quête de réponses et à la poursuite du sinistre Kelley, ce périple le conduit au cœur d’un Japon féodal impitoyable largement imbibé du folklore traditionnel Nippon. Ainsi, la mythologie Japonaise occupe une place prépondérante et les Oni, Yoka et autres Kodama baliseront votre parcours spirituel. N’espérez toutefois pas vagabonder tranquillement à travers des champs de cerisiers blancs ou autre panorama apaisant : dans Nioh la magie noire et les forces impures sont à l’œuvre, sources d’une ambiance sombre et mystique aussi envoutante qu’oppressante.
Avec une structure découpée en niveau, Nioh peut se permettre une large variété d’environnements sans se triturer les méninges en terme de level design : ainsi temples japonais, forêts mystérieuses, mines souterraines ou contrées enneigées sont autant de terrains de jeu variés pour accompagner votre épopée sanglante sur l’archipel. Malgré quelques inégalités, chaque stage a bénéficié d’un grand soin dans sa construction et offre une exploration jouissive dans la pure recette des Souls. Atmosphère tendue et tension garantie : un régal.
Déjà réputée pour ces titres exigeants, la Team Ninja nous propose avec Nioh un jeu d’action faisant écho à la marque de fabrique From Software. Découpage par niveau mis à part, facilité de conception oblige, la structure de progression sera ainsi familière a beaucoup d’entre nous. Ici, ce sont des sanctuaires qui officient comme checkpoints pour dépenser ses âmes, pardon, son Amrita (dont la perte ne sera tolérée qu’une fois et sous réserve de retourner fouiller son cadavre). Les raccourcis se déverrouillent au fil du niveau, échec après échec, pour se conclure en apothéose contre un boss retors. Ces derniers, alternant entre Samurais de renoms ou démons mythologiques, sont à l’image du bestiaire général : extrêmement soigné et spectaculaire ! La montée en puissance passe par l’attribution de points d’expérience en fonction de vos catégories privilégiées (vitalité, force, magie, etc…), de points de compétences (Ninjutsu, magie, coups spéciaux, etc…), mais également par le loot et l’upgrade d’un attirail conséquent. Là encore, la recette a été éprouvé maintes fois mais s’enrichie de quelques nouveautés. L’association d’esprit en est une : en fusionnant avec une divinité, elle offre des statistiques supplémentaires et la possibilité d'entrer en mode « furie » l’espace de quelques secondes. Etat de transe variant selon la chimère sélectionnée. Notez aussi la présence d’un dojo, d’une forge, et pleins de petits détails que je vous laisserai découvrir par vous-même sous peine de rebuter tous les lecteurs par la longueur de ce pavé !
Au cœur de l’action Nioh se veut encore plus technique que son modèle. En effet, outre le patern d’attaque différent selon le type d’arme équipé (sabre, lance, hache, tonfa, etc...), il impose aussi la prise en compte d’un jeu de posture en temps réel : basse, moyenne, ou forte. Un équilibre supplémentaire à trouver en fonction de l’adversaire qui, associé à votre maitrise de l’esquive, la gestion de son Ki et de la jauge d’endurance, devrait vous permettre d’assister à la fin du jeu sans trop de sueur. Rassurez-vous, les DLCs (youpi !) viendront punir les insolents et recueillir vos fluides corporels tant le niveau de difficulté monte encore d’un cran… Transition facile : la durée de vie se révèle bien évidemment très généreuse, avec une épopée longue et garnie en missions bonus. Sans oublier d’insister sur le NG+, histoire de rehausser le labeur général (sinon les boules de pétanques dans le fion ça marche aussi).
Initialement programmé pour la Playstation 3, Nioh ne brille pas spécialement par sa technique. Si l’animation, la fluidité, les effets visuels et la modélisation des personnages se révèlent de très bonne facture, l'ensemble apparaît en deçà des standards de la console. Bonifiée par une direction artistique d’excellent gout, la réalisation séduit malgré tout et réserve quelques beaux moments de contemplation. En même temps, difficile de se planter avec le charme intemporel du contexte en vigueur et cette période si prisée de l’histoire. Enfin, la bande son et le doublage Japonais apportent un cachet sonore très agréable, renforts de luxes d’une ambiance exceptionnelle.
Tamponné du « Label Team Ninja » et assumant à sa manière l’aspect « Souls-like », Nioh impose sans mal ses qualités à l’écran. Dopé par un gameplay nerveux, complet, exigeant et immersif, le tout fonctionne à merveille ! Les quelques imprécisions techniques ne nuisent aucunement au plaisir de jeu, et la superbe direction artistique associée à la qualité du level-design sont des facteurs de motivation supplémentaires devant le challenge parfois exacerbé. Un investissement personnel conséquent mais à la hauteur de l’expérience proposée : simplement géniale et parmi les plus marquantes de la console. Arigato gozaimasu.
Franz26 a dit (31 Octobre 2020 à 18:26)
Bof non pas spécialement, TTA une semaine sur deux, mais contrairement à notre gon national pour moi TTA ne veut pas dire RTT officieux : j'ai du taff ! (et j'ai de la chance). Arrivant au bout de Nioh (enfin me reste les DLCs), je passe à un autre genre et ravive de grands souvenirs. ;) Ah, ère 16 et 32 bits, époque bénie du J-RPG et de Squaresoft.
Franz26 a dit (30 Octobre 2020 à 19:24)
Moyenne 13,3 pour la version PSP, contre 18,7 pour l'orignal... Il est grand temps que je refasse FFT afin de vite rehausser la note de ce titre d'anthologie, figurant dans mon panthéon du JV. A moins que cette version PSP (cinématiques et traduction retravaillée) ne cache une vraie mauvaise surprise. J'en doute fortement. Affaire à suivre !
Franz26 a dit (20 Septembre 2020 à 14:16)
C'est toujours un plaisir que de t'inciter à dépenser l'argent du pauvre contribuable. Escroc.
Franz26 a dit (20 Septembre 2020 à 08:33)
Alors que les fans déplorent le long sommeil de la franchise Advance Wars, Intelligent System se concentrant sur les non moins géniaux Fire Emblem, le petit studio Chucklefish vient consoler nos âmes en peine avec un clone assumé de la licence. Une sortie physique sur Switch plus tard, le mode nomade de la tablette convenant parfaitement au genre, et me voici à espérer de tout mon cœur. Vais-je revivre une expérience à la hauteur de mes plus belles heures sur GBA et Nintendo DS ? Un fantasme fortement improbable, et pourtant…
Cinq minutes. C’est le temps nécessaire, une fois passé la jolie introduction animée suivi du prologue, pour faire le rapprochement avec Advance Wars. Wargroove reprend sans détour le gameplay millimétré du maître, contexte mis à part : place à un monde Heroic-Fantasy où les cavaliers, golems, archers, magiciens, balistes et dragons remplacent les unités de guerre contemporaines. Pour le reste, à quelques subtilités près, c’est du pareil au même ! Chaque mission demandera de mener à bien un objectif précis, souvent cantonné à la capture de la base ennemie ou à la défaite du général adverse. A vous d’user intelligemment des éléments en place pour mener vos troupes à la victoire. Ainsi, la capture des bases et des forteresses aux emplacements stratégiques sera souvent moteur de succès, à condition de ne pas négliger le type de terrain et le placement de vos unités sur l’échiquier. Ces dernières obéissent évidemment à un principe de forces et faiblesses : envoyer vos piquiers sur la cavalerie ennemie engendrera de juteuses lasagnes Findus, mais la première unité aérienne du coin fauchera vos hommes sans pitié. Derrière cet exemple primaire se cache une réelle science du placement et de l’analyse, où le circuit de chaque adversaire doit être pris en compte afin d’assurer une réponse adaptée et une couverture permanente. Utilisé au bon moment les pouvoirs des différents généraux peuvent également influencer l’équilibre d’une bataille, et, une fois tous ses éléments maîtrisés, vous serez devenu un impitoyable maitre de guerre.
Si terminer le jeu se révèle à la portée de tous, obtenir les meilleurs grades nécessite une bonne anticipation et une prise de risque parfaitement calculée. A ce sujet Wargroove peine à trouver un équilibre, et malgré un premier tiers plutôt docile le challenge monte brutalement (en mode difficile j’entends). En résulte une durée de vie conséquente, composée d’une campagne travaillée, d’un mode arcade, en ligne, ou encore d’énigmes à résoudre en un seul tour (passionnant !). Histoire d’enfoncer le clou, nous est proposé gratuitement un très bon DLC, introduisant de nouveaux héros à travers une petite campagne originale. Comptez au bas mot 50 heures de jeu avant d’en faire le tour hors ligne, même si un soupçon de lassitude risque de se faire sentir entre temps. Car bien qu’excellent le gameplay de Wargroove se veut toutefois moins addictif que celui de son modèle, manquant d’un soupçon de maitrise et de savoir-faire en matière de level-design.
Techniquement, Wargroove use d’un style rétro en pixel-art très sympathique. Les sprites sont mignons tout plein et c’est un plaisir d’assister à quelques minutes de cinématiques entre chaque mission. D’autant que le ton général ne se prend pas au sérieux, donnant allégrement dans le second degré et l’autodérision. Le génial character-design n’est pas étranger à ce constat, confortant ainsi une ambiance agréable et bon enfant. La bande son vient également pérenniser cet excellent verdict, avec des compositions entrainantes et assez peu répétitives. Performance à souligner, puisqu'il sera courant de batailler plus d'une heure avec un thème musical unique en fond sonore…
En attendant le grand retour du maitre (l’espoir fait vivre), Wargroove se présente comme une alternative de choix et ravira tous les amateurs en manque d’Advance Wars. Ne pas y trouver son compte relèverait de la mauvaise foi tant l’inspiration des développeurs est évidente. Si un léger manque de profondeur et une pointe de redondance finissent par porter préjudice au titre, il n’en reste pas moins un excellent tactical, bien maitrisé et fichtrement efficace. Foncez !
Franz26 a dit (07 Août 2020 à 07:50)
Derrières ses airs de Triple A, Hellblade résulte en réalité d’un projet modeste piloté par le petit studio Ninja Theory. Difficile à croire lorsque s’affiche l’esthétique léchée du titre, qui n’a pas à rougir devant les plus beaux jeux de cette génération ! Mais la technique ne déterminant pas la qualité globale d’un jeu, voyons-voir ce que vaut réellement Hellblade : Senua’s Sacrifice. Âmes sensibles s’abstenir : un périple sombre, malsain et psychotique nous attend…
« Pour une expérience sonore Hellblade optimale, nous vous conseillons d'utiliser un casque audio » La consigne donnée par les développeurs sur l’écran titre annonce la couleur. Une habitude déjà acquise pour la plupart de mes sessions gaming, mais qui se révèle ici indispensable tant le travail sonore sur Hellblade a été étudié. Car d’entrée la jeune Senua se présente comme une petite schizophrène en herbe, torturée par des hallucinations auditives et visuelles. Ce contexte sonore pesant trouve évidemment écho dans la direction artistique du titre, au rendu terne, granuleux et saturé, au profit d’une atmosphère angoissante. En effet, c’est un univers Nordique horrifique, malsain et corrompu qui nous est minutieusement exposé, perverti par la vision d’une héroïne traumatisée et mentalement instable. Trimbaler la tête découpée d’un défunt amant afin de sauver son âme ne semblant pas être une thérapie des plus adaptée à la situation, plutôt déstabilisante pour le joueur ! Et c’est bien là le gros point fort du jeu, qui nous immerge dans ce monde hors-norme où se superpose le tangible et l’irréel, privé de nos repères, en spectateur d’une quête autodestructrice troublante. Ambiance exceptionnelle garantie.
Cette immersion est malheureusement freinée par un gameplay en demi-teinte, découpé en deux phases distinctes : l’une dédiée à l’exploration et à la résolution d’énigmes sympathiques, souvent à base de runes et de jeux sur les perspectives, l’autre centrée sur les combats. Des affrontements basiques axés sur un système de parade et d’esquive, pour ensuite enchaîner quelques coups et répéter inlassablement (ou pas) l’opération. Un miroir mystique permet de ralentir le temps un cours instant pour faciliter le travail, mais rien d'autre ne viendra embellir la copie. S’ajoute à ce fade constat l’incroyable lourdeur de la miss, déjà pénalisante dans les phases d’exploration, et une caméra médiocre qui ne couvre jamais l’action dans votre dos. Pas folichon, et ce ne sont pas les quelques boss présents qui viendront renouveler la dynamique générale.
Comme évoqué dans l’introduction, la réalisation du titre impressionne et présente des textures et des jeux de lumières somptueux. La modélisation de l’héroïne se révèle également bluffante, avec une qualité d’expression du visage rarement atteinte. La terreur et la détresse du personnage passent également par des distorsions du champ visuel (flou, ténèbres, etc…), et on sent vraiment la volonté d’expérimentation des développeurs. L’aspect ludique n’est donc pas le point fort d’Hellblade : Senua’s Sacrifice, qui se veut avant tout une expérience sensorielle hallucinante. Visuelle, je viens de le souligner, mais aussi auditive avec toute cette dimension psychique et ses voix intérieures qui résonnent encore dans ma tête à l’heure où j’écris ces lignes ! Et si la trame se devine dès les premières minutes de jeu, la quête n’en reste pas moins très immersive et savamment narrée. Compte-tenu de son statut d’indépendant (jeu à petit prix), Hellblade se dote d’une durée de vie convenable avoisinant la dizaine d’heures. Notez que le narrateur menace sournoisement d’effacer définitivement notre progression en cas de morts répétés, mais le challenge somme toute relatif de l’aventure rend cet avertissement difficile à vérifier.
Au final, c’est bien un gameplay sans réelle saveur qui vient pénaliser les ambitions du titre. Si ce périmètre avait bénéficié d’un peu plus d’inspiration, ou en optant pour une orientation différente (quitte à se rapprocher encore plus du jeu narratif, vu la linéarité et l’abondance de cinématiques…), Hellblade : Senua’s Sacrifice aurait probablement décroché les étoiles. Le verdict final sera simplement très bon, porté par une réalisation impeccable et une bande son démentielle au service d’une atmosphère singulière morbide transpirant la putréfaction. En résulte un périple marquant aux confins de la folie humaine, avec un traitement de la psychose assez incroyable. Bien que perfectible, l’expérience globale vaut le détour et ne laissera personne indifférent.
Franz26 a dit (04 Août 2020 à 07:54)
En contemplant la jaquette PAL du soft, sans respect aucun pour le magnifique character-design d’origine, c’est un peu comme si un pan de l’histoire de jeu vidéo se tenait devant mes yeux. Phantasy Star IV, chant du cygne d’une saga mythique désormais perdue dans les abîmes depuis son orientation MMO. Un titre légendaire, considéré plus accessible que ses aînés tout en figurant parmi les plus beaux jeux de la Megadrive : porte d’entrée à priori idéale pour enfin découvrir cette immense licence, faisant encore défaut à mon humble palmarès.
Années 90, alors que la Super Nes enchaîne les J-RPG mémorables principalement sous l’effigie de Square et d’Enix, les fans de Sega peuvent se consoler avec la grande saga des Phantasy Star. Ce quatrième opus sous-titré « The End of the Millennium » s’insère dans la mythologie développée par les deux premiers volets mais peut tout à fait se vivre comme une expérience unique (au détriment de quelques références et notions de background). Bien que je m’inscrive dans ce contexte, l’aventure débute sans tergiverser et nous immerge dans la peau de Chaz, jeune membre de la guilde des chasseurs. C’est au cours d’une mission lambda, alors que des monstres de plus en plus puissants apparaissent de façon répétée, que va se dessiner la menace Zio. Énigmatique personnage aux sombres intentions, ce charismatique magicien noir n’est pourtant que la partie émergée de l’iceberg, et très vite votre périple prendra une dimension biblique démesurée. Si le scénario reste assez convenu et très manichéen, il assure un voyage dépaysant aux confins du système solaire d'Algol, et permet de se plonger efficacement dans l’univers de Phantasy Star IV.
A ce propos, le titre de Sega mélange avec brio l’Heroic-Fantasy et la science-fiction, où les vestiges d’une société avancée régissent encore le mode de vie des habitants. Villages moyenâgeux, cavernes obscures et donjons délabrés, laissent régulièrement leur place à des structures mécaniques d'un temps révolu. Androïdes, véhicules et équipements futuristes sont également de la partie, et accentuent la richesse de cet univers séduisant. Un monde matérialisé à l’écran de fort belle manière tant la Megadrive puise dans ses réserves (merci la cartouche boostée !). Si la finesse des décors n’excitera pas les rétines habituées aux plus belles productions 16 bits, la modélisation des sprites et les animations de combat se révèle assez bluffante. Mention spéciale à certains boss majeurs, immenses et largement mis en avant par la vue subjective des affrontements. Soulignons aussi les magnifiques encarts fixes ponctuant les dialogues importants, qui viennent se superposer à l'écran tel une bande dessinée.
Adoptant un système au tour par tour, Phantasy Star IV reprend les mécaniques bien connues du genre : jauge de vie, de magie, icônes pour attaquer, se défendre, utiliser des objets, des sorts ou des attaques spéciales propres à chaque personnage. S’ajoute un système d’attaque combinées (dévastatrices !) pour que votre équipe, pouvant accueillir jusqu’à 5 combattants simultanément, ne soit que rarement prise au dépourvu. Notez le concept de macro fort pratique, offrant la possibilité de paramétrer automatiquement les actions de chaque personnage en vue d’accélérer les batailles (ou pour lancer une attaque combinée précédemment mémorisée). L’expérience engrangée et le traditionnel bal des équipements de plus en plus vénères octroient une montée en puissance rapide, et le titre ne réserve au final que peu de résistance. Je suspecte fortement Sega Europe d’avoir simplifié le tout pour les pauvres péons que nous sommes… En résulte une durée de vie honnête, sans fioritures (les 8 quêtes annexes du jeu sont disponibles à la guilde des chasseurs), au profit d’un rythme soutenu.
Malheureusement cet aparté sur le contenu n’éclipsera pas un défaut majeur du gameplay : l’imbuvable gestion de l’inventaire ! Très limité, sans possibilité d’organisation ni la moindre explication sur l’effet de l’objet (ou du sort) pointé, il ruine un peu le confort de jeu. Certes, le livret remédie partiellement à ce problème, mais n’excuse en rien ce fâcheux manque de lisibilité. Et l’absence d’une map-monde, pourtant le béaba du genre, ne viendra pas compenser cette lacune. Histoire de ne pas finir sur un aspect négatif, niveau sonore Phantasy Star IV se dote de mélodies entraînantes et d’un sound design réussi. Loin de la complexité millimétrée et de la puissance de ses meilleurs concurrents (Square et Enix, toujours), la bande son fait son petit effet et accompagne notre épopée interplanétaire avec brio.
Malgré toutes ces éloges, compte-tenu de la note attribuée, les trois lecteurs du fond auront bien compris que Phantasy Star IV n’a pas émoustillé outre mesure mes sens de joueur. Que les fans n’utilisent pas l’écart générationnel (ou des goûts de chiottes) pour expliquer ce verdict (somme toute excellent), puisque bon nombre de mes RPGs fétiches sont des titres 16 bits découverts sur le tard. Chrono Trigger, Final Fantasy VI, Rudra no Hihou, etc… l’ancienne école Squaresoft que voulez-vous. Ainsi, les nombreuses qualités et le charme old-school de ce quatrième volet ne me feront pas adhérer au culte Phantasy Star. Impossible toutefois de ne pas lui reconnaître un arôme savoureux malgré une cuvée bientôt trentenaire, et ce RPG mythique diablement efficace m’aura offert quelques heures nostalgiques enivrantes. Un petit voyage dans le temps, renvoyant aux beaux jours de Sega et de l’histoire du RPG.
Franz26 a dit (08 Juillet 2020 à 07:44)
Début 2014, Nintendo enchaîne les cartouches maison pour éviter à la Wii U un funeste destin. C’est au tour de la célèbre mascotte poilue - « Ouaf !! » Ah mais coucouche-panier Gon, lâche cette pantoufle bon sang ! - d’apporter sa contribution à une timide ludothèque. S’il ne sauvera pas la console de l’échec commercial, que vaut le dernier opus en date de la mythique saga Donkey Kong Country ?
Comme beaucoup, je voue un grand affect à cette franchise qui accompagne mes joutes vidéoludiques depuis ma plus tendre enfance. Outre les spins-off et le volet Nintendo 64, la série, désormais entre les mains de Rétro Studio, perpétue de surcroît la tradition chère à mon cœur du jeu de plates-formes 2D. Les bases sont saines et m’enivrent déjà de nostalgie : rentrons dans le vif du sujet.
Une fois la manette pro en main (à privilégier), une pointe d’irritation vient atténuer cet élan d’enthousiasme : Donkey accuse le poids des bananes englouties et, outre sa relative lenteur, étale une inertie houleuse et source d’approximation. Problématique pour un jeu exigeant, où précision et timing sont les facteurs clés du succès. Heureusement, au prix d’un petit temps d’adaptation, le primate fini par s’apprivoiser, dévoilant ainsi toute la richesse du gameplay malgré une première impression en demi-teinte. Le plaisir de jeu vient ensuite naturellement, poussé par un level design de génie et une direction artistique tout aussi grandiose (mais nous reviendrons sur ce dernier point un peu plus loin). Sans révolutionner le genre, DKC Tropical Freeze présente des phases de gameplay variées et des mécaniques qui fonctionnent à merveille. Une fois encore, Donkey peut compter sur ses amis pour faciliter sa progression : Diddy, Dixie, et Krank sont bien de la partie. Des compères aux capacités propres à exploiter selon la situation, qui viennent prendre place sur vos épaules et par l’occasion doubler vos cœurs de vie une fois leur tonneau détruit. On notera aussi la timide présence de Rambi le Rhino, seul renfort secondaire ayant répondu à l’invitation.
Considéré comme un jeu très difficile orienté Die & Retry, ce dernier né de la saga s’adresse aux joueurs avertis. Une réputation somme toute exagérée car en réalité la difficulté n’a rien d’insurmontable. Les vies sont distribuées comme des petits pains, les niveaux dévoilent des checkpoints réguliers, et moyennant finance il est possible d’équiper des items bonus temporaires pour les moins scrupuleux d’entre vous (cœur de vie supplémentaire, potion d'invincibilité, droit à une chute mortelle, etc…) Certes, le titre se veut exigeant et ne laisse place qu’à une minuscule marge d’erreur, mais pas de quoi crier au loup. Le vrai challenge réside d’ailleurs dans la collecte de toutes les pièces de puzzles et des lettres K.O.N.G parsemant les stages, imposant souvent plusieurs revisites des niveaux. S’ajoute les désormais célèbres « Temples DK » (stages bonus hardcore) et une île aérienne post-game (encore pire !), histoire de renforcer une durée de vie à toute épreuve. C’est donc avec une pointe de fierté et quelques larmes de sang que l’on atteint les 100% de progression au compteur.
DKC Tropical Freeze brille aussi par son cadre visuel enchanteur. A travers une 3D fine et chatoyante où les éléments s'animent à la perfection, s’exhibe une direction artistique somptueuse à l’inspiration sans faille. Chaque niveau propose un cachet envoûtant et offre un enchevêtrement de détails impressionnants au service d’un design exceptionnel. En résulte une ambiance très plaisante, où les mimiques hilarantes des protagonistes et les comiques de situation ajoutent au fun un humour Cartoon détonant. Une contribution non négligeable au plaisir de jeu, et avant d’aborder la bande son les petites imperfections relevées au début sont déjà derrière nous.
Cet opus Wii U marque aussi le retour de David Wise aux baguettes. Sans égaler son travail d’orfèvre orchestré sur les deux premiers opus Super Nes, le monsieur nous offre une bande son inspirée n’ayant pas à rougir de la comparaison. Des thèmes variés sachant jongler en fonction du contexte du stage, tout en assurant quelques élans majestueux et nostalgiques. Du bel ouvrage.
En conclusion, Retro Studio nous gratifie d’un nouvel opus génial, qui joue la sécurité et apporte finalement peu de nouveautés par rapport au DKC Returns de la Wii. On boudera discrètement devant les combats de boss assez longuets et manquant d’intensité, histoire de nuancer le verdict final auquel il ne manque pas grand-chose pour côtoyer les plus grands du genre. Donkey Kong Country : Tropical Freeze n’en reste pas moins à la hauteur de son héritage légendaire, et devrait combler tous les amateurs de plates-formes. Une belle exclusivité Wii U, désormais disponible sur Switch pour les retardataires. Plus d’excuses, foncez !
Franz26 a dit (14 Juin 2020 à 08:41)
Après un premier essai en demi-teinte par l’intermédiaire du décrié Lord of The Fallen, le studio Deck13 s’essaye à nouveau dans le registre du « Souls-Like » avec The Surge. Changement de cadre radical, puisque les événements prennent place dans un monde futuriste post-apo sentant bon l’huile de moteur et les implants robotiques. De quoi trancher avec les univers ténébreux ultra esthétisés de From Software. La comparaison n’en reste pas moins inévitable.
D’emblée, impossible de ne pas ressentir cette sensation familière malgré un contexte à mille lieux de la Dark Fantasy. Sans grandes explications, The Surge vous place dans la peau de Warren, survivant isolé dans les ruines d’un centre de recherche CREO : multicorporation désireuse, en apparence, de sauver l’écosystème de la planète. Isolé dis-je ? Pas tout à fait, puisque des hordes de cyborgs enragés et autres saloperies mécaniques chercherons à vous faire la peau, espérant ainsi vous empêcher de remonter à l’origine de ce cataclysme. D’un point de vue scénaristique The Surge manque peut-être un peu d’ambition en rapport à son background travaillé, et l’histoire se contente d’un fil rouge efficace agrémenté de quelques quêtes annexes. Davantage un prétexte à l’exploration donc, et c’est bien l’effet recherché.
L’occasion de prendre ses marques avec des combats lourds et exigeants, nécessitant prudence et lâcheté. Ce qui ne vous empêchera pas de mourir maintes fois et de chier des boulons à foison, croyez-moi ! Un parallèle avec les Souls évident, ressenti à tous les étages du gameplay : jauge d’endurance régissant parade, esquive et attaque, collecte de boulons servant de monnaie et d’expérience (à récupérer sur son cadavre en cas de morts… dans un temps limité !), salle de repos équivalent aux feux de camps, etc… Un plagiat assumé qui apporte heureusement sa petite touche personnelle.
Dans The Surge le crafting relève d’une importance capitale puisque chaque pièce d’équipement doit être récupérée et rafistolée avant utilisation. Ainsi, l’atelier sera un lieu de passage récurent pour réparer et améliorer son stuff, avant d’équiper lourdement Warren qui ressemblera très vite à un Terminator ambulant. En parallèle, il faudra augmenter la puissance de votre noyau notamment en vue de déverrouiller des emplacements d’implants, octroyant bonus et capacités diverses. Autre spécificité : Warren peut déclencher des attaques horizontales ou verticales, plus ou moins efficaces selon le type d’ennemi, et surtout sélectionner la partie à attaquer chez l’adversaire. L’aile ou la cuisse ? Ça dépend de votre feeling : les membres bleutés nus encaissent davantage de dégâts, alors que les zones protégées occasionnent plus facilement un finish spécifique (au ralenti gore du plus bel effet) et lâchent davantage de collectibles une fois découpées. Quoiqu’il en soit, l’esquive et la parade restent vos meilleurs amis, couplés à un sens du timing impeccable et quelques attaques chirurgicales bien senties. Toutefois, malgré le vaste arsenal à disposition qui permet de renouveler l’angle d’attaque, les affrontements finissent par s’avérer un poil répétitif sur la durée et la stratégie ne diffère guère d’un opposant à l’autre. A noter la présence dispensable de drones en guise de partenaires de fortune, tout juste utiles pour attirer l’ennemi à l’écart et lui refaire tranquillement le colon à la chignole dans son coin.
Perfectible, le gameplay de The Surge se veut néanmoins très solide. Complet et exigeant, il impose une attention de tous les instants et assure une immersion complète. L’univers se voulant l’autre pierre angulaire de cette recette diablement efficace. S’il n’atteint pas la richesse artistique ni l’ingéniosité de ses maîtres fondateurs, le monde de The Surge a bénéficié d’un grand soin dans sa construction. On lui reprochera un certain manque de variété au niveau des décors, un effet couloir labyrinthique ou un level design mêlant l’excellent au passable, mais globalement les niveaux restent un régal à parcourir. Sans parler de l’incroyable zone du DLC « A Walk in a park » : réellement géniale dans sa conception et son esthétique, mettant en scène un parc d’attraction abandonné où les mascottes déjantées viendront vous chercher des noises ! Au passage : le second DLC se veut moins sympathique et, malgré une thématique Far West intéressante, reste un faire-valoir dispensable dédié au loot. De quoi renforcer une durée de vie déjà conséquente et appuyée par quelques boss retors (trop peu nombreux malheureusement), même si la courbe de difficulté se lisse finalement assez vite pour les habitués du genre. Comptez 35-40 heures, quêtes annexes inclues, afin de percer tous les secrets de CREO et voir le bout de ce périple haletant.
La bande son joue humblement son rôle et met l’accent sur des bruitages percutants, où le son des lasers et les chocs métalliques dominent des musiques d’ambiance réussies mais sans grande envergure. Seuls quelques thèmes osent renier leur zone de confort, et viennent ainsi surprendre nos oreilles délicates. Imposé, le doublage Français se révèle étrangement convaincant et accentue ce constat auditif de qualité.
En optant pour une tout nouvelle licence, Deck13 signe un retour fracassant et affine sa formule. En résulte un titre parfaitement maîtrisé, à la hauteur des attentes émulées par les chefs d’œuvres de From Software. Une inspiration assumée avec suffisamment d’intelligence pour apporter une expérience différente, de surcroît matérialisée via un univers Cyberpunk crasseux qui assure une alternative crédible à la Dark Fantasy des Souls. Impossible de rester de marbre devant cette géniale revisite d’une recette éprouvée et délectable, et si quelques petites imperfections viennent ternir le tableau, The Surge s’impose sans détours comme une franche réussite.